节奏，是音乐不可缺少的中流砥柱，是学琴的关键，说起它的重要性，有的人把它比做轮船运行的推动剂，也有人说它是音乐“唯一的生命线”。因为，判断一个人的演奏是否具有生命力，电子节拍机一个很重要的考量就是看他对千变万化的自由节奏的掌控能力，而要掌握变化节奏的前提就是先掌握固定节奏。
一个有味道的演奏，首先要看节奏！那么，如何才能做到加强固定节奏？
借用节拍机固定的节奏点来训练和固定内心的节拍感，慢慢地养成强化数拍子的好习惯，这样很快就可以稳定内心的节拍感。
千万不要在心里默数，如果节拍还不够稳固的话，经常一边数一边越来越快还不自知，甚至嘴巴早就被手上弹奏的曲子给带跑了还糊里糊涂地以为自己是对的。
不要用脚打节拍，因为将来脚是要用来踩踏板的。所以，最困难也是最有效的方法就是一边打着节拍机一边大声数着节拍，让我们用耳朵去听自己数出来的节拍，让弹奏的手跟耳朵听到的节拍和嘴巴数出来的拍子吻合。
结合每一首曲子的节拍，把音乐旋律的律动感与本节奏的基本特点结合起来并弹奏出来。比如音拍比较方正，拍感是“强、弱、次强、弱”，如同雄壮的进行曲给人勇往直前的奔腾感。导拍是个旋转的圆形，拍感是“强、弱、弱”，如圆舞曲华丽的舞步，优美典雅热情奔放……
要学会根据音乐的需要伸缩节拍，构成不同的节奏长短组合。例如施特劳斯的《蓝色多瑙河》，主题和伴奏就像两根完全相同的平行线一样，假如弹奏时左右手分别压缩拉伸节拍，音乐听起来就会具有诗意和特别的趣味。虽然从微观上看，这样做局部改变了速度，但从宏观上来看，它们仍属于整体速度统一不变的方式。
弹奏(特别是对一个大作品作整体的弹奏)时，一定要竖起耳朵听自己弹奏的音乐，留意自己对速度的处理会不会有太突兀或太拖沓的地方。其次，一定要根据作品的年代和风格来决定如何处理速度；速度的弹性和局部的伸缩处理，在节奏尺度上也一定要遵循速度的总体布局并符合作品最终的整体形象，比如演奏古典作品时在节拍上要有节制，不能像弹浪漫派作品那样自由。
任何的节奏训练，都应强调保持双手的独立性，加强弱指的技术控制力，千万不要赶或拖拍子，任何手指均不能出现滚、溜等不均匀的现象，尤其是当两手弹不同节拍的时候(三连音对两个八分音符之类的节拍转换)，不论节奏如何变化都一定要做到双手齐步走，切记!
建议每天都打开节拍机练琴，先从一个自己能掌控的慢速度开始。之后，按照一定的比例开始提速度，一步步地去适应在不同节拍速度下弹奏相同的作品，这可以帮你较快地建立内心的节拍架构。经过这些针对性的节拍训练之后，再在音乐处理时做速度的拉升也就能自如了。
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